O potencial desempregador da inteligência artificial

Um dos maiores temores em relação à crescente presença da inteligência artificial na vida cotidiana tem a ver com a possibilidade de que ela (ou seus controladores, pois a IA ainda não tem (tem ?) vontade própria) cada vez mais reivindique para si incumbências até então somente atribuídas a humanos. A bem da verdade, isto já está acontecendo, como bem documenta uma excelente matéria da BBC sobre seu emprego na redação de textos.

A gritaria não é novidade alguma. Já no final do século 18, na aurora da revolução industrial, ludistas invadiam tecelagens inglesas e quebravam máquinas temendo que as mesmas ameaçassem a existência de seus empregos. Desde lá pouca coisa mudou. A diferença é que se, antes, novas tecnologias substituíam o trabalho braçal, as de hoje clamam para si operações mentais até pouco tempo consideradas território exclusivo da inteligência humana. Tudo faz parte de uma longa e única narrativa, a saber, a obsolescência progressiva do trabalho humano. Primeiro, o braçal. Agora, o mental.

Isto é bom ou ruim ? Depende de como você encarar. Se definirmos trabalho do modo como é habitualmente entendido numa cultura capitalista, i.e., como emprego, com perpetuação de funções exercidas e manutenção de direitos adquiridos, a automação é preocupante, por ser indiferente ao desemprego que dela decorre.

Se, por outro lado, a automação servisse para garantir a manutenção de atividades reconhecidamente essenciais à sobrevivência e ao bem estar humanos gerando, com isto, mais tempo ocioso para ser dedicado à criatividade e ao lazer, não haveria nada de errado.

Só que o que acontece não é nada disto. Quando alguém é desempregado por alguma nova tecnologia, tal não se dá em nome da desoneração do indivíduo de algo que pode ser feito tão bem ou melhor por uma máquina, de forma automática, mas tão somente em razão da maior lucratividade na operação. Fica claro, então, que o problema não é a automação e sim o lucro. Ou, mais precisamente, a automação a serviço do lucro e não do bem estar humano, como deveria ser num mundo ideal.

Eis a principal razão de não estarmos avançando na direção da previsão de Keynes, a saber, de que, ca. 2030, trabalharíamos em média 15 horas por semana.

Cabe, também, perguntar até que ponto vale a pena (exceto, é claro, pelo fenômeno da desempregabilidade crescente) um humano produzir um texto que já possa ser escrito por um algoritmo. Penso, de imediato, em bulas de remédio, manuais e receitas culinárias (um tipo de manual), mas a lista pode ser rapidamente expandida para incluir textos de referência (dicionários, enciclopédias e artigos acadêmico/científicos), jornalísticos, publicitários (como na supracitada matéria da BBC) ou, por que não, legais. Em suma, toda e qualquer categoria de redação sobreformatada. Isto representaria um passo importante em direção a uma escrita exclusivamente criativa, talvez eliminando, de quebra, o excesso textual (produzido, em grande parte, pela academia) denunciado já em 1989, no New York Times (não incluí o link por que, agora, o NYT também se esconde atrás de um paywall), pela bibliotecária chefe da Universidade de Harvard. Seu apelo, quase uma súplica, à comunidade: “– Por favor, escrevam menos ! Pois já não temos mais onde guardar tanto material, tendo que alugar galpões fora do campus para tanto.” Mas isto (namely, o excesso textual) já é assunto prá outro post. Intitulado, talvez, Why write ?

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Do jeito que se fala em IA, como uma expressão nova, que ainda não existia há poucos anos atrás, pode até parecer se tratar de algo novo. Não houve, no entanto, nenhuma ruptura, como uma descoberta ou evento específico, que interrompesse uma tendência verificável já há muito tempo. Desde os primeiros programas de computadores ou mesmo antes.

No começo do uso de computadores, se podia perfeitamente entender a lógica operante em um programa pelo mero exame de seu código fonte. Era como se as linguagens de programação fossem não mais do que versões mais precisas da verbal. Isentas de ambiguidades. Bastava, então, “ler” um programa para se saber o que ele fazia.

Com o passar do tempo, tarefas mais complexas começaram a demandar um recurso mais frequente a subrotinas e, ao mesmo tempo, interfaces gráficos, mais “amigáveis”, dependentes de um grande volume de cálculos vetoriais. De tal modo que, hoje, a compreensão total, nos mínimos detalhes, de tudo o que um programa (hoje, aplicativo) executa está muito além da possibilidade de abrangência pela mente humana.

Para melhor se entender essa evolução exponencial que a programação computacional, alavancada por tecnologias cada vez mais rápidas e miniaturizadas, teve em poucas décadas, vale a pena lançar mão de uma analogia com o jogo de xadrez.

Entre o leigo e o enxadrista avançado, cujo estereótipo é o russo que disputa competições internacionais, existe um abismo. Como leigo, sei movimentar as peças no tabuleiro e conheço as regras do jogo. Tanto que tenho boas chances ao disputar uma partida com outro leigo, pois consigo prever o desfecho de lances imediatos mais prováveis (i.e., descartados os absurdos).

Notem, no entanto, que, a cada nova jogada “antecipada”, crescem exponencialmente as possibilidades. Tanto que, ao cabo de poucos lances, chega a milhares, até milhões, o número de possíveis desfechos – somente um dos quais interessa, a saber, o cheque-mate. Ao final, ganha geralmente quem conseguir visualizar o maior número de jogadas à frente.

Pois a computação é assim. Se, nos primórdios, era como uma partida de xadrez entre leigos ou quase isto, hoje é como uma disputa entre um Mequinho e um Kasparov. Mas tudo isto, é claro, é totalmente transparente (invisível) ao usuário.

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Disse há pouco que a inauguração do uso da expressão inteligência artificial não está associada a nenhum evento ou tecnologia disruptivos específicos. Talvez isto não seja verdade. Não escaneei pioneiros da ficção futurista (ficção científica é, a meu ver, uma formulação inadequada) para saber, por exemplo, se Asimov se referia, em Eu, robô, ao cérebro positrônico como IA. Certo é, no entanto, que seu uso hegemônico para designar algoritmos e programas a partir de uma certa complexidade se tornou popular a partir do momento em que operações realizadas pelos mesmos puderam não apenas ser confundidas com aquelas executadas pela mente humana, mas levadas a cabo de modo mais preciso, rápido e eficiente. Há quem considere isto um marco histórico a sinalizar o início do fim do trabalho.

Há também quem ache isto, mais do que preocupante, alarmante. Como Harari, num artigo que citei recentemente – o qual, de tão provocativo, suscitou respostas fortes e imediatas como, por aqui, a de Fernando Schüller. Tudo bem que Harari tenha, como já me disseram, uma sensibilidade aguçada para o sensacional ou bombástico. Até por ser bem atuante no super competitivo mercado editorial (é autor de best sellers) e ter, afinal, que promover seus livros. Mas suas análises históricas e especulações futurísticas são prá lá de plausíveis.

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Abre parêntesis. Por vezes, algumas projeções, não mais do que fantásticas, de ficcionistas futuristas – como a de Kurt Vonnegut, em Cat’s Cradle, que imaginou o que chamou de gelo 9, uma nova forma de água com ponto de fusão mais alto que, em contato com mais água, líquida e em temperatura ambiente, a congelaria – são assustadoras ao ponto de não apenas gerar pânico mas induzir a comunidade científica a produzir uma avalanche de artigos refutando a mera possibilidade de existência do gêlo 9 e, com isto, restaurando a tranquilidade. Fecha parêntesis. Ou melhor, ainda não. Vonnegut batizou o capítulo de Cat’s Cradle em que uma banheira contendo a única amostra existente de gêlo 9 despenca de um penhasco (putz, que cacofonia) caindo no oceano, cujo congelamento instantâneo produz um estrondo que se propaga pela superfície de todo o globo, nos mergulhando numa nova era glacial (o cenário da novela de Vonnegut), como “O Grande Ahum“. Pois Ah Um também é o nome de um álbum de Charles Mingus. Aqui, entenderei perfeitamente se alguém disser “– Sim, mas daí ?“. Agora sim, fecha o parêntese.

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Que a IA acabaria por se igualar à humana e, a partir daí, suplantá-la, nunca foi difícil de prever. O motivo é simples. Enquanto a inteligência humana reside num suporte biológico, o cérebro, cuja evolução é medida em milhões de anos, a artificial existe em circuitos que se tornam menores e mais rápidos (portanto mais poderosos) praticamente da noite para o dia. Não tinha como o progresso tecnológico não dar nisso. O que nos traz de volta a pergunta: isto é bom ou ruim ?

Se a sociedade humana continuar a privilegiar a concentração de riqueza sobre sua distribuição, a IA só vai acelerar o desemprego, gerando, com isto, fome, pobreza, desagregação social, guerra e, eventualmente, a extinção da espécie, da vida e do planeta, nesta ordem. Ou nem tanto, pois a IA, sem precisar competir com a humana, talvez opte por preservar o planeta ou mesmo formas de vida não inteligentes. Mas isto não interessa, pois não vai sobrar ninguém prá contar.

Se, por outro lado, o ser humano conseguir abraçar o ócio, se libertando de todos os preconceitos morais sobre o trabalho (que só servem aos grandes acumuladores), aí então será possível vislumbrar um futuro mais auspicioso para a espécie, cujas possibilidades são tantas que prefiro deixar a cargo da imaginação de ficcionistas.

Por que considero Ah Um (1959), de Charlie Mingus, um álbum superestimado

Soltei no facebook, sem explicar as razões, que acho Ah Um, de Mingus (1959) um álbum superestimado. Em consideração à atenção de uns poucos que vierem aqui em busca de esclarecimento sobre a ao menos inusitada afirmação (posto que praticamente uma blasfêmia para qualquer mingófilo por se tratar, afinal, de um disco icônico), vou diretamente ao ponto.

O principal problema da outrossim excelente da música de Mingus é não ter encontrado, em grande parte das vezes, sua melhor expressão nos conjuntos em que o compositor atuava como contrabaixista. Ouvir Mingus em 1959 dá a nítida impressão de que ainda estavam por surgir músicos que plenamente realizassem sua música. Tudo bem que Dannie Richmond, seu fiel escudeiro, já estava lá  (pensem em quantas vezes Bill Evans trocou de baterista…). E Jimmy Knepper. Mas caras da estatura de um Eric Dolphy permaneceram com Mingus por muito pouco tempo.

Naquela época, improvisadores mais exponenciais orbitavam ao redor de Miles. Se pode até especular sobre como a excelente música de Mingus, que não deve nada a de Miles, teria se popularizado se o primeiro contasse com improvisadores como Cannonball ou Coltrane. Mas voltemos ao Ah Um.

O início do álbum é promissor, com uma das mais potentes composições de Mingus num arranjo vibrante, de um tipo aberto, consistindo em partes livres  (neste caso o trombone) sobre outras predeterminadas. É precisamente isto que dá aquela impressão de “baguncinha” ou caos controlado tão cara ao estilo de Mingus. Só que, na hora da entrada de um solo rasgando… nada. Só a base. E os riffs, é claro, de quando em quando. De pouco adiantam os gritos de Mingus – como que, sei lá, tentando acordar algum solista – que finalmente comparece, hesitante, com algumas notas longas e indecisas.  Em minha modesta experiência auditiva, não me parece que fosse esta, nem de longe, a intenção do autor. Aquilo é, sem sombra de dúvida, a cama perfeita para um solo vertiginoso. Só que, infelizmente, Dolphy, Bird, Trane ou similares não estavam ali. Então, não consigo ouvir o Ah Um a não ser como uma coisa incompleta, à qual ainda falta uma voz principal.

(é bem provável que, neste ponto, alguém diga que estes “buracos” no arranjo fazem parte da linguagem de Mingus, sutuada fora do alcance de minha compreensão rasa. Pode até ser. Mas evidências como as mesmas músicas tocadas por formações posteriores ou mesmo póstumas depõem em favor do que acho)

Percebem o problema de timing a que me refiro ? Sobre o cara certo estar no lugar certo na hora certa ? É perfeitamente razoável se afirmar que a música de Mingus muitas vezes só encontra sua melhor expressão depois que o autor deixa de atuar como músico em suas bandas. Como, por exemplo, nas raras e espetaculares gravações, ao vivo e em estúdio, da Mingus Dinasty ou da Essential Mingus Big Band, bandas memoriais dedicadas à preservação do legado de Mingus. Ou então nas sessões de gravação que Mingus acompanhou já numa cadeira de rodas. Ou, ainda, na colaboração com Joni Mitchell.

Falando em Joni, avancemos à segunda faixa de Ah Um, a balada Goodbye Pork Pie Hat, dedicada por Mingus a Lester Young, com versos escritos pela cantora, com alguma licença, sobre a linha improvisada pelo saxofonista no Ah Um. A versão de Joni dá de dez no original. Digam se exagero: preferem esta versão ?

Ou esta ?

Outro problema de Mingus em 1959 é uma certa falta de impulso em suas tradicionais “canções de batalha”, como Fables of Faubus ou Better git it in your soul. Agravada, talvez, pelo andamento excessivamente lento. Estou enganado ? Mingófilos e mingólogos que me corrijam !

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Quinze anos depois, Mingus já encontrara sua banda. Já havia, por exemplo, em Changes One & Two, pianistas como Don Pullen e Bom Neloms e horns como George Adams e Jack Walrath. Os espaços privilegiados destinados ao improviso não passavam mais em branco. Mas, como nem tudo é perfeito, já na segunda faixa de Changes One, nos deparamos com um erro de mixagem grosseiro. Como se tivessem cortado o microfone da voz principal (a trompeta, no caso). Não me perguntem como isto acontece num lançamento de uma grande gravadora. Está lá para que quiser ouvir. A falha gritante me faz supor que álbuns de jazz e outros não eram auditados na íntegra, mas só por amostragem, antes de serem fabricados e distribuídos. Um dos casos mais gritantes em que faixas desastrosas passaram pelo crivo de executivos fonográficos é este:

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É, como já foi dito, nos álbuns póstumos (como os de Mitchell, da Mingus Dinasty ou da Mingus Essential Big Band) ou quase (como aqueles cuja gravação Mingus acompanha de uma cadeira de rodas) que toda a força de sua música se realiza plenamente. Em 1978, um ano antes de sua morte, Mingus, cuja música inovadora o excluíra pela maior parte de sua vida do mainstream do jazz, gozava, finalmente, da reputação de um dos maiores, senão o maior, dos inovadores vivos. Com isto, era natural que os melhores daquele tempo o cercassem em busca de, algum modo, colarem suas imagens (e discografias !) à dele. Resulta que Something Like a Bird (1978) foi gravado por um dream team. Particularmente, raras vezes ouvi um saxofonista com a desenvoltura do outrossim desconhecido George Coleman. O disco conta até com a participação, pasmem, do guitarrista Larry Coryell.

Nos álbuns do Mingus Dinasty, “modernos” atrevidos como Joe Farrell e Randy se amalgamam a veteranos dos combos de Mingus como Richmond, Knepper e Pullen para injetar vida nova em sua música. E o que dizer, então, do álbum Mingus, de Joni ? Prá começo de conversa, há Jaco Pastorius. O que define, no entanto, a qualidade quase sempre superior das versões de Joni em relação às originais de Mingus é a intensidade expressiva – que se deve, repito, antes ao pouco alcance dos solistas do que a qualquer deficiência das composições, excelentes e irretocáveis.

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Atualização: saindo em busca de videos para ilustrar este post, particularmente da versão de Goodbye Pork Pie Hat em Ah Um, me deparei com esta, que confundi com o que procurava. Estupefato com a profundidade e proficiência do saxofonista, descobri tratar-se de um obscuro Seamus Blake da (!) Essencial Mingus Big Band, num disco lançado em 2001. Nenhum saxofonista chegou sequer perto disto em gravações de qualquer combo de Mingus.

 

minding audiences (ii) ou da indiferença contemporânea ao sublime ou para ouvir Bill Evans (i)

Gosto de garimpar fotos tiradas em clubes de jazz de Nova Iorque nos anos 50 e 60. Em muitas, há membros da audiência desatentos ou indiferentes à excelência da música que ouviam. Notem que não falo de nenhum piano bar, nos quais a música apensas serve de pano de fundo à conversação, mas de casas de espetáculos icônicas, como o Birdland, o Five Spot, o Minton’s ou o Village Vanguard, cujos minúsculos palcos eram frequentados pelos maiores improvisadores de seus tempos. Falamos, portanto, de música sublime, ricamente documentada por fabulosos registros sonoros.

Face à atitude quase devocional com que ouvimos, hoje, tais registros, sempre me espantei com essa desatenção tão franca, não sei se por arrogância (vale examinar fatores como tensão racial entre músicos e platéias) ou mera ignorância, ostentada por tantos ouvintes daquela música única (i.e., que jamais poderia ser repetida daquele modo) e de qualidade exponencial.

Daí minha insistência no bordão de que audiências contemporâneas são, na maioria das vezes, indiferentes ou mesmo insensíveis ao que de mais sublime há em cada época. Como se pode ver nas fotos abaixo. Minhas favoritas são as duas primeiras. Pois não há como entender o ostensivo dar de costas do jovem loiro e da Marilyn sem rosto (imortalizada assim, só como penteado, pelo fotógrafo) à música tocada, respectivamente, por Charlie Parker na primeira foto ou Clifford Brown na segunda. Entre outros.

Nas seguintes, a maioria dos ouvintes parece estar interessada em qualquer coisa a não ser a música.

 

 

Na primeira, toca Miles Davis. As quatro últimas foram tiradas no Five Spot; as três últimas com Thelonius Monk as duas últimas com, além dele, Charles Mingus e John Coltrane. Como podem ver, gente pouco relevante no jazz.

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É claro que as imagens acima, que arrolo como testemunho do desinteresse de uma cultura para com a melhor arte de se seu tempo, podem ser descartadas como um recorte muito específico e, portanto, casual. Ou seja, coexistentes com uma quantidade igual ou maior de fotos que retratam ouvintes aparentemente atentos. Felizmente para o historiador, registros sonoros evidenciando nossa hipótese inicial são fartos. E especialmente contundentes, se considerarmos, comparativamente, o ruído produzido pela audiência em integrais dos sets gravados por Bill Evans com seu lendário trio no Village Vanguard em 1961 e 1980. Na coleção de 1961, de um artista ainda a ser descoberto por seus contemporâneos, impressiona o som de conversação e de utensílios como copos, louça ou talheres se fazendo, por vezes, quase mais audíveis do que a música. Já nas sessões de gravação testamentais de 1980, no mesmo lugar, o silêncio absoluto da audiência denota a reverencia pelo gênio consagrado.

Ouçam, então, no primeiro audio abaixo (impressionante como o youtube se tornou uma espécie de plataforma ideal para a postagem de fonogramas !), um take do trio de Evans com Paul Motian (bateria) e Scott LaFaro (contrabaixo) no Village Vanguard em 61 e, no segundo e no terceiro, dois takes da última residência do derradeiro trio, com Marc Johnson e Joe LaBarbera, por lá quase vinte anos depois.

Quero ver alguém dizer, depois de ouvir isto, que o público que foi ao Vanguard ouvir o trio de Evans em 1961 era mais atento do que o de 1980. Se, no entanto, toda evidência acima não for suficiente para corroborar a tese da indiferença contemporânea ao sublime, vejam, então, na foto abaixo, o local de descanso de Evans e seus parceiros na célebre casa de espetáculos em 1961. Duvido que seu camarim por lá, em 1980, fosse minimamente parecido com isto.